BIZAR: Магия поп-арта. Как появился один из самых ярких жанров и что он из себя представляет
Поп-арт — самое популярное направление в искусстве XX века. Что же значат все эти образы массовой культуры во главе с Мэрилин Монро, комиксами и товарами с полок магазинов? Арт-менеджер BIZAR Надежда Марченко выяснила, как появился поп-арт и что он за собой несет.
Поп-арт — художественное направление, которое появилось в середине 1950-х годов и получило свое название от словосочетания popular art — популярное или естественное искусство.
Изначально поп-арт зародился в Великобритании, но стал особенно популярен в США. Художники противопоставляли его распространенному тогда абстрактному экспрессионизму во главе с Ротко и де Кунингом.
Серьезные работы, выражающие чувства творца, сменились тиражируемыми товарами с полок магазина, которые люди и так видели каждый день с экранов телевизоров и на рекламных баннерах. Представители поп-арта бросали вызов убеждениям об искусстве.
Культура потребления, массовое производство — вот что стало главной темой того времени. Поп-арт с его банкнотами, банками супа и комиксами был призван стереть грань между «высоким» искусством с бронзовыми статуями в музеях и «низким», использующим вырезки из журналов и повторяющиеся образы моделей.
Король поп-арта Энди Уорхол говорил:
«Что замечательно в нашей стране, так это то, что Америка положила начало традиции, по которой самые богатые потребители покупают в принципе то же самое, что и бедные. Ты смотришь телевизор и видишь кока-колу, и ты знаешь, что президент пьет кока-колу, Лиз Тейлор пьет кока-колу, и только подумай – ты тоже можешь пить кока-колу. Кока-кола есть кока-кола, и ни за какие деньги ты не купишь кока-колы лучше, чем та, что пьет бродяга на углу. Все кока-колы одинаковы, и все они хороши. Лиз Тейлор это знает, президент это знает, и ты это знаешь».
Именно восхищение американской культурой станет основной темой поп-арта, а бутылка кока-колы – повторяющимся мотивом.
Великобритания — неочевидная родина поп-арта
Одним из самых первых авторов, обратившихся к массовой культуре, стал Эдуардо Паолоцци. На его коллаже разместилось все обилие символов массового потребления. Здесь и реклама апельсинового сока, бигуди, сосисок, дорогих машин, кричащие слоганы и конечно же бутылка Кока-Колы.
На одном из его коллажей из дула пистолета вылетают ярко-красные буквы со словом «Поп!» — символическое начало большого переломного периода в искусстве.
Идеи Паолоцци разделяли художники из «Независимой группы». Один из представителей объединения, Ричард Хэмильтон, создал практически самое знаковое произведениях для конца 1950-х годов.
Его коллаж назывался «То, что делает наши дома такими разными, такими привлекательными». Перед зрителем выросла целая гостиная будущего, собранная из вырезок журналов. Нам улыбается накаченный мужчина в плавках, рядом его идеальная обнаженная жена, сидящая на диване в стиле Баухауз. Вокруг пары все необходимые атрибуты комфорта того времени: телевизор, пылесос, консервы ветчины и даже магнитофон.
В истории работы — легенда об Адаме и Еве, спустившихся прямиком из Поднебесной в новый рай на земле со всеми удобствами.
Хэмильтон с особой точностью определил поп-культуру как:
«популярное (предназначенное для массовой аудитории), преходящее (недолговечное), одноразовое (легко забывающееся), дешевое, массовое, молодое (адресованное молодежи), шуточное, сексуальное, затейливое, шикарное, бизнес-ориентированное направление современного искусства».
США — колыбель расцвета
В Америке первыми представителями поп-арта были художники-единомышленники Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг. На своей знаменитой работе «Флаг» Джонс задумывается о том, что флаг — всего лишь кусок окрашенной ткани, а это значит, что и его картина точно так же может быть эмблемой Америки.
Так поднимается философский вопрос, который лейтмотивом проходит через весь поп-арт: в какой момент искусство становится товаром, а товар искусством?
Раушенберг же создавал свои произведения не только вдохновленный отходами общества потребления, но и буквально из этих отходов.
Он говорил: «Мне жаль людей, которые находят уродливыми мыльницы или бутылки из-под «колы», потому что они живут в окружении всех этих предметов и несчастны из-за этого».
Инструкция, как открыть банку с томатным супом
Известный нам Энди Уорхол в 1950-е годы уже был успешным коммерческим художником в рекламе, но отчаянно тянулся к чему-то большему. Он рисовал макеты обуви для журналов, но сам для себя долгие годы экспериментировал с поп-мотивами.
Это привело к тому, что Уорхол стал одной из самых влиятельных фигур 20 века. Как же это произошло?
Следом за остальными Энди создал свое произведение с бутылкой кока-колы и сделал ее главным участником картины. Это и стало первой попыткой найти свой особенный стиль.
Однажды он устроил опрос среди своих знакомых на тему того, что же ему стоит нарисовать. Послушав советы, художник обратился к самым узнаваемым элементам поп-культуры — долларовой купюре и пластинке жвачки.
Он хотел бросаться в глаза так же, как рекламные вывески на Манхэттене, но при этом наделить эти образы двойным дном и смыслом. Он был в поисках все новых и новых мотивов. И тут его озарило.
В 1962 в галерее «Ферус» Ирвинга Блума были выставлены 32 картины Энди Уорхола «Банки супа “Кэмпбелл”». Это были знаменитые банки консервов со всеми вкусами из линейки. Уорхол признавался, что сам обедал этим супом каждый день на протяжении 20 лет.
Холсты в галерее стояли в несколько линий, каждую из которых поддерживала белая полка — банки в прямом смысле стояли как в продовольственном магазине. На работы, стоимостью 100 долларов каждая, нашлось всего 5 покупателей.
Хоть в их числе и была кинозвезда Деннис Хоппер, было принято решение объединить все «банки» в одно произведение. В таком виде они до сих пор выставляются в МоMA в Нью-Йорке и являются одной из самых знаменитых работ автора.
«Банки супа “Кэмпбелл”» были вызовом убеждениям и стереотипам об искусстве и потребительском обществе. Уорхол подверг сомнению саму роль художника как творца и разрушил представления о произведении искусства как об индивидуальном творении.
Более того, работы, как и сами образы на них, могли тиражироваться сотни тысяч раз, отсылая нас к обществу потребления с его массовым производством. Так терялся сам смысл оригинальности искусства и поднимался вопрос о том, имеет ли такое искусство право на существование?
Уорхол превратил в товар образ Мэрилин Монро, хотя до этого такую же вещь с ней провернуло само общество.
Художник и себя превратил в большой бренд, став символом потребительского общества, стереотипы о котором он так жадно перерабатывал в своем творчестве изначально. Не зря Энди однажды сказал, что хороший бизнес — лучшее искусство.
Комиксы как новое искусство
Рой Лихтенштейн стал известен благодаря своим работам со сценами из комиксов, хотя до этого он долго занимался привычной живописью. Сами комиксы отлично вписывались в концепцию поп-арта.
Лихтенштейн полностью повторял рисованные истории: не только манеру изображения, пузыри с текстом, но и даже саму технологию печати.
Наверняка вы вспомните плачущую блондинку с одной из его известных работ. Вспомните не только образ, но и отличительную картинку в мелкую точку.
В 1960-х цветные комиксы печатали точечным способом Бена Дэя. Это было не новшеством - такая техника произошла от пуантилизма, изобретенного еще импрессионистом Жоржем Сёра.
Картины Роя гиперболизировали образ идеальной жизни и образы поп-культуры, высмеивая праздное существование, зацикленное на земных благах. Благодаря этим сюжетам из комиксов Лихтенштейн мгновенно стал популярным.
Работы, созданные художником для своей первой персональной выставки, были распроданы еще до ее открытия.
Так ли прост поп-арт?
На первый взгляд кажется, что поп-арт использовал все, что видел вокруг себя, в рекламе, по ТВ, в магазинах продуктов. Только и делал, что бездумно клепал банки с кока-колой, яркие слоганы и другие всевозможные образы поп-культуры с единственной целью — привлечь внимание китчевыми, абсурдными вещами и конечно же создать ажиотаж.
На самом деле поп-арт был острой необходимой реакцией на окружающую послевоенную действительность с ее растущими капиталами, массовым производством всевозможных товаров от новых модных машин и бытовых приборов до косметики.
Все это выливалось в пестрящие баннеры со всевозможными логотипами и продающими картинками. Люди перенасытились и уже захлебывались в этом бесконечном потоке вещей.
Поп-арт же в буквальном смысле подхватил волну, с осуждением ли это было или с иронией, понятно не во всех случаях, но точно было метко и актуально.
Поп-арт сейчас
Сегодня, в век массовой культуры, поп-арт не теряет своей популярности. Он включает в себя и работы с традиционной критикой культуры потребления, и просто яркие, игривые предметы, заимствующие узнаваемые образы из кино и поп-культуры.
Подпишитесь на нас: