Не только картины: Алина Лобанова о творчестве, интерьерах и смелых шагах

Интерьерный художник и арт-предприниматель Алина Лобанова не окончила художественную школу и по образованию стала экономистом. Но рисование сопровождало её с детства — и со временем стало делом, которому она посвятила себя. Сегодня Алина пишет картины на заказ, работает с интерьерами и развивает творческую студию ArtJungle, где люди могут познакомиться с искусством на практике.

В интервью Daily Moscow Алина рассказала, как пришла в профессию, почему современное искусство не обязательно оценивать по принципу «похоже или нет» и как помочь человеку перестать бояться кисти.

А ещё — о выборе картин для дома, сотрудничестве художников с дизайнерами и шагах, которые помогают творцу строить карьеру и находить свою аудиторию.

Алина, когда Вы взяли первый раз в руки кисть?

Я рисую с самого детства, при этом в художественную школу не ходила, мое зрение оставляло желать лучшего и мелкая работа была для меня почти под запретом. Но меня это не остановило, я находила в интернете чужие работы и повторяла их на бумаге. Читала книги по рисунку, изучала технику. В семнадцать лет решила, что пойду поступать в университет архитектуры, дизайна и искусства (г.Новосибирск), но меня не взяли из-за отсутствия художественного образования. Поступила на экономиста. Окончила Северо-Кавказский федеральный университет в Ставрополе, но по специальности не работала ни дня: все пять лет во время лекций я рисовала.

Позже отучилась в частной художественной школе, изучала академическую живопись и рисунок и жизнь выстроила мой путь именно так, как я хотела - с кистью в руках. Мне стали поступать заказы. С 2020 года я написала более 100 работ на заказ. Картины уезжали в Калининград, Казахстан, Таджикистан, Канаду. Я расписывала стены ателье, стоматологии, салонов красоты, ресторанов, квартир и жилых домов. Работала в компании Painty: делала корпоративные проекты — расписывала объёмные арт-объекты для крупных мероприятий, расписывала зонт на синюю дорожку VK Fest для Ларисы Долиной, вела мастер-классы и помогала создавать картины новичкам. Три года была куратором в школе современного искусства у Акбировой Аделины, вела учеников по программе современного художника.

В июне 2023 года я поняла, что готова на большее и открыла с партнёром творческое пространство для художников Art Jungle. В нем мы проводим мастер-классы, творческие мероприятия и индивидуальные занятия. Сегодня это одна из крупнейших творческих площадок в Москве.

В 2026 году мне предложили коллаборацию с EONHEIM. Моя картина стала обложкой музыкального трека. Я была безмерно рада.

Как привить любовь к арт-искусству? Возможно ли это?

Возможно - но начинать приходится с того, чтобы снять с человека чужую линейку. Арт-искусство и классическое искусство - это разные направления с разными задачами, а меряют их почему-то одной меркой.

Современная работа пишется не для этого: она выражает идею, состояние, эмоцию, играет с формой, цветом, символом, материалом. Холст здесь не окно в реальность, а высказывание. И когда человек подходит к такой работе с вопросом «а что это должно быть?» и не находит ответа, он делает вывод не про картину, а про себя: «я в этом не разбираюсь».

Вот на этом месте любовь и заканчивается, не успев начаться. Поэтому первое, что я предлагаю, - поменять вопрос. Не «что здесь нарисовано», а «что я чувствую, когда стою напротив». На него у зрителя всегда есть правильный ответ, и никакого образования для этого не требуется.

Второе - и это уже чистый опыт - любовь к искусству прививается через руки, а не через лекции. Три года я работала на корпоративных арт-мероприятиях: залы по восемьдесят человек, на одном проекте было сто восемьдесят и командная роспись двадцати четырёх холстов за вечер. Почти все эти люди последний раз держали кисть в школе и заранее объявляли, что у них нет способностей.

На росписи стен мы делали так: я наносила контур, а гости закрашивали внутри рисунка. Испортить физически невозможно - и через час человек стоит перед стеной, которую расписал сам.

Дальше он и на чужие работы смотрит иначе, потому что теперь понимает изнутри, сколько за ними труда. Расстояние между «я в этом ничего не понимаю» и «я это чувствую» - один вечер с кистью в руке, а не пять лет теории.

И третье: по-настоящему прививает не разовый поход на выставку, а жизнь рядом с работой. Картина, которая висит дома, действует медленно и куда сильнее любой экскурсии: человек видит её каждый день, в утреннем свете и в вечернем, в разном настроении, и постепенно начинает замечать мазок, фактуру, слои - то, чего не видел в первый месяц.

Двадцать семь моих работ ушли к людям, которые покупали у меня уже не впервые, и для меня это и есть доказательство: один раз человек рискнул, пожил с живой вещью - и к постеру из магазина уже не вернулся.

А сегодня, после двадцати лет подробной, строгой, выверенной по линейке работы, я сама заново учусь свободе и цвету в своей авторской серии, и это оказалось труднее любой техники. Любовь к искусству - не знание, которое кто-то передаёт. Это разрешение, которое человек в какой-то момент даёт себе сам.

Какие сегодня тренды в искусстве, придерживаетесь ли вы их при выборе работ?

По моему наблюдению могу сказать, что больше всего спрос на современную интерьерную живопись. Это абстракции, работа с фактурой: дерево, ткань, металл, пенопласт. Такие варианты чаще всего рассматривают дизайнеры в свои проекты, так как их несложно вписать в большинство квартир.

Часто это используют для недвижимости в аренду или каких-либо офисов, оформление лобби новостроек. Если сравнивать с картинами, которые выбирали для интерьера раньше, то сейчас всё меньше выбирают классическое исполнение в пользу современного.

Такие работы далеко не всегда подходят дизайнерам и обычным клиентам из-за своей выразительности, высокой цены и узкого сюжета.

В первую очередь я определяю пожелания заказчика, чтобы понять, для каких целей нужна ему картина: как яркий акцент, наполненный деталями на своей стене, или для спокойного продолжения своего интерьера. И на основе этого я подбираю варианты. Бывает, что клиенты приходят уже с готовыми набросками и мы работаем в рамках их референсов.

Что Вам ближе - галерейная живопись или интерьерная?

Галерейная работа - это высказывание художника. К ней приходят специально, её смотрят пятнадцать минут, изучают идею и смыслы спрятанные и уходят. Она имеет право быть неудобной, тяжёлой, спорной - в этом её смысл. Галерейная работа - она больше про смысл, про идею, про зрителя и его взгляд, а интерьерная - она для завершения ремонта, чтобы закрыть последний пазл в квартире и стать единой системой со всем интерьером.

Интерьерная работа приходит к человеку домой и живёт с ним каждый день, годами. Она должна выдержать утренний свет и вечерний, смену настроения хозяина, сочетание с диваном, люстрой или вазой. Это совершенно другая задача.

Оба направления для меня важны.

Как дизайнеру найти «своего» художника?

На мой взгляд, между дизайнером и художником должна произойти химия, а также у них должно быть совпадение взглядов на проект.

Бывают случаи, когда дизайнер достаточно пунктуален, выдерживает все сроки, и у него все распланировано по дням, в то время как бывают художники, которые этим пренебрегают. И для них написать картину не сегодня, а на три недели позже бывает нормально и не критично.

Поэтому очень важный момент - это вместе придерживаться определенных взглядов на работу. Другой момент - это самодеятельность. Одни дизайнеры открыты к каким-то новым идеям, вмешательствам, а другие же дизайнеры не готовы к изменению проекта и стараются очень строго ему следовать.

На каком этапе проектирования интерьера нужно начинать заниматься подбором предметов искусства?

Проектирование интерьера до того, как встала вся мебель на свои места, довольно опасно, поэтому я стараюсь доносить заказчикам, что приступать к планировке искусства нужно в тот момент, когда уже все стоит на своих местах. Единственное, что можно сделать на этапе чернового ремонта, это спланировать, где что будет находиться. Например, диптих над кроватью, большая картина в зале над диваном и примерные сюжеты, исходя из проекта дизайнера.

Просто бывает такое нередко, что у дизайнера один проект, но в процессе его работы происходят определенные правки по изменению стиля дивана, цвета штор или добавления каких-либо акцентов. Либо же может быть так, что на проекте у дизайнера диван теплого серого оттенка, а потом в жизни привозят совершенно другой холодный оттенок, а картина подобрана под визуализацию.

Я приезжаю на объект, если это в москве или области, смотрю реальные оттенки цветов, потому что камеры телефона, планшета или фотоаппарата достаточно сильно может искажать цветовую передачу. Поэтому, приезжая на объект, я смотрю реальные цвета стен, дивана, мебели, вазы и стараюсь делать сразу же на объекте выкрасы.

Чтобы потом с этими выкрасами уже в мастерской создавать картины, основываясь на этих оттенках.

От чего отталкиваться при выборе предметов искусства в уже готовый интерьер: от цветовой гаммы, сюжета?

Сначала размер и место. Самая частая ошибка в интерьере - маленькая картина на большой стене: она выглядит потерянной, и никакой сюжет её не спасёт. Работа должна занимать примерно две трети ширины того, над чем висит - дивана, комода, изголовья.

Второе - свет и расстояние. Картину, на которую смотрят с двух метров, можно делать подробной, детальной. Работу в конце коридора, которую видят издалека, надо строить крупными пятнами, иначе вся проработка просто не читается.

Третье - сюжет и настроение, и я бы говорила даже не о сюжете, а о том, что человек делает в этой комнате. В спальню - то, на что приятно смотреть уставшими глазами. В кабинет то, что не отвлекает, но держит внимание. В детскую то, что не надоест за пять лет. Конечно, тут еще нужно учитывать вкусовые предпочтения заказчика. Кто-то любит природную тематику, кто-то - абстрактную. А некоторые предпочитают более объемные текстурные картины, с которыми можно физически контактировать (разные текстуры, элементы шпаклевки, песка, ткани и тд)

И только потом цвет. Причём не «в тон подушкам». Мебель меняется, а картина остаётся. Достаточно одной-двух перекличек: подхватить оттенок дерева, металла, текстиля и всё, работа уже своя в этом пространстве. Мой приём с монохромом и одним ярким акцентом именно поэтому хорошо работает в интерьере: акцент даёт ту самую перекличку, а всё остальное не спорит ни с чем.

Чего стоит избегать, выбирая картины в интерьер?

Я бы не рекомендовала гнаться за трендами, так как тренды даже в искусстве живут год, два, максимум три, а картина, как правило, это более долгосрочная покупка.

Также я бы рекомендовала избегать сочетаний с очень временными элементами интерьера. Например, на столе стоит красная ваза, и хочется картину с красным акцентом. Ваза может разбиться, надоесть, уйти в другую комнату, а картина так и останется с ярким пятном. Не всем такой вариант может подойти.

Очень часто встречается, что заказчик приходит к художнику более опытному, мастер выставляет крупный ценник за свою работу, и с этой идеей клиенты уже идет к менее известному художнику, начинающему.

И получается, что клиент опирается на картинку профессионального художника, но заказывает работу у начинающего, но ожидая результат профессионального. И, к сожалению ожидания и реальность редко встречаются. Деньги выброшены, картина не оправдала ожиданий, на душе осадок, и в целом больше не хочется связываться с темой искусства, а на стену так и нечего вешать.

Также я бы не рекомендовала выбирать картину на основе чужих интерьеров и красивой картинки в интернете. Очень часто бывает, что картина действительно красивая, но она может не подходить в конкретный интерьер, и не все заказчики, к сожалению, это понимают.

Я всегда рекомендую идею клиента примерить в их интерьер. Я прошу выслать фотографию их пространства и делаю 3D-визуализацию картины в конкретный дом, квартиру, офис, и человек уже видит более наглядно результат, который он получит.

И довольно часто от идеи, с которой изначально люди пришли, они отказываются, так как понимают, что в контексте их квартиры, их освещения, данная работа теряет ту красоту, которая, например, она была в другой квартире, и делают выбор в пользу более подходящего сюжета.

Я рекомендую хотя бы несколько дней, в идеале недельку, переспать с этой картиной, чтобы человек посмотрел несколько раз на свежую голову, на то, как будет выглядеть результат.

Потому что бывает, что настроение ярко-фиолетовое, но через неделю это желание проходит, а картина уже в процессе работы.

И не всегда можно изменить просто оттенок, иногда требуется даже переделка всего сюжета, а это дополнительные затраты материалов и времени художника.

Сколько времени уходит на подбор картин в интерьер?

Если говорить о подборе эскизов в интерьер, то, как правило, уходит около недели. То есть я сначала задаю вопросы клиенту, чтобы они хотели видеть, какая цветовая гамма, возможно, есть какие-то похожие сюжеты, которые им нравились.

И человек, собирая всю эту информацию, обдумывает, советуется с родными. На это уходит, как правило, 2-3-4 дня. И сам процесс визуализации уходит тоже 1-3 дня, если картин не так много нужно в дом, например, от 1 до 4.

И в течение недели у нас уже оговорены пожелания, цветовая палитра, намечены определённые варианты эскизов. Возможно, такое, что попадание в желание клиента происходит не с первого раза. Соответственно, нужно делать подбор заново.

Поэтому само согласование перед непосредственным заказом может быть от одной недели до двух.

Ваши главные пункты для развития и достижения целей?

Очень многие люди боятся идти в это искусство, так как приходят к нему не в 17 лет, а после 30. Во-первых - желание и идея, с которой ты хочешь заявить о себе и показать себя этому миру.

Второе - выходить в свет. Это очень важный и недооцененный момент.

Поэтому очень важно подавать заявки на опенколы, на галереи, потому что чем больше будет ваше портфолио, тем больше вы сможете ставить цену за свою работу и расти на мировом арт-рынке как творец, так как все публикации, все выставки, они расширяют ваше портфолио, дают узнаваемость, больше связей, больше сотрудничеств.

Третье - это проверять цену фактом, а не страхом. Многие художники очень сильно не верят в себя и сильно занижают свой ценник, работая две недели за 5000 рублей. Поэтому очень важно объективно себя оценивать, сравнивать себя с рынком и не бояться назвать действительно стоящую цену за свою работу.

Четвёртое - это очень важно: изучить юридические аспекты и работать с дизайнерами, коммерческими заведениями и простыми людьми через договора, так как это даёт безопасность как клиенту, так и самому художнику. А помимо безопасности, это устанавливает определённые границы, определяет порядок оплаты и выстраивает определённые обязанности каждой из сторон.

Также важно изучать это не только для заключения договоров, но и для авторского права.

Он не будет знать, что с этим делать, и может потерять право собственности на свою работу, если кто-то первый об этом заявит и подаст патент.

И ещё очень важный момент - пятый: не работать в одиночку. Очень важна среда, так как среди единомышленников ты можешь расти быстрее.

Люди - это и вдохновение, и связи, и обратная связь, и помощь. Поэтому очень важно или работать в коллективных мастерских или хотя бы посещать мероприятия, где можно познакомиться, пообщаться с такими же творческими ребятами